[eigene Übersetzung des englischen Textes in Socialism Today, Nr. 190, Juli/August 2015]
Der „Leere Sockel“ auf dem Londoner Trafalgar Square war ursprünglich für eine Statue des unscheinbaren Wilhelm IV. auf einem Pferd vorgesehen, aber die Sponsor*innen schafften es nicht, genug Geld aufbringen. Jetzt wird er für die Ausstellung von Werken zeitgenössischer Künstler*innen genutzt, und derzeit steht dort das Gift Horse [Geschenkpferd], eine Skelettskulptur des deutsch-amerikanischen Künstlers Hans Haacke. Das riesige Pferd ist vom Werk des Künstlers George Stubbs aus dem 18. Jahrhundert inspiriert, der für seine Pferdegemälde und -zeichnungen berühmt war – zum Beispiel „Löwe verschlingt ein Pferd“. An den Vorderbeinen des Gift Horse, wie ein Band zu einer Schleife gebunden, ist ein digitales Display mit den aktuellen Börsenkursen angebracht.
Heute, besagt das, sind Kunstwerke – was auch immer die ursprünglichen Absichten der Künstler*innen sind – tendenziell untrennbar mit dem Kunstmarkt und der Finanzwelt verbunden. Das abgemagerte Pferd ist das Ergebnis der Kürzungsverheerungen. Zufälligerweise streiken derzeit die Mitarbeiter*innen der nahegelegenen National Gallery gegen die drohende Privatisierung von Dienstleistungen, um Kosten zu senken.
Die Verbindung zwischen Kunst, Reichtum und Macht ist nicht neu. Die National Gallery beherbergt Hunderte von alten Meister*innen, die die Macht und das Prestige ihrer Mäzen*innen feierten. Doch heute gibt es einen beispiellosen Aufschwung auf dem Kunstmarkt. Gemälde – von Monet, Cézanne, Gauguin, Picasso und anderen –, die von den Superreichen begehrt werden, werden zu obszönen Preisen verkauft, und die Auktionshäuser brechen einen Rekord nach dem anderen.
Kunst ist vieles. Eine Definition aus einem Online-Wörterbuch ist: „Der Ausdruck oder die Anwendung menschlicher schöpferischer Fähigkeiten und Vorstellungskraft, in der Regel in einer visuellen Form wie Malerei oder Bildhauerei, die Werke hervorbringt, die in erster Linie wegen ihrer Schönheit oder emotionalen Kraft geschätzt werden“. Das ist eine gute Definition – aber unvollständig. In den Auktionshäusern werden die Kunstwerke, die für phänomenale Preise verkauft werden, vor allem wegen ihres finanziellen Werts geschätzt. Sie sind „Vermögenswerte“, Symbole des Reichtums und eine Quelle des Prestiges.
Die sehr Reichen investierten immer in Kunst. Im Jahr 1914, am Vorabend der russischen Revolution, kaufte Zar Nikolaus II. die Madonna Benois von Leonardo da Vinci für 1,5 Millionen Dollar. Unter Berücksichtigung der Inflation wären das heute etwa 35,5 Millionen Dollar – eine Kleinigkeit auf dem heutigen Kunstmarkt. Zu Beginn dieses Jahres wurde Pablo Picassos Die Frauen von Algier (Version O) für 179,4 Millionen Dollar an einen anonymen Bieter versteigert. Es gab fünf Telefonbieter*innen, die bereit waren, mehr als 120 Millionen Dollar zu zahlen, um das Gemälde zu bekommen. In einer Privatauktion wurde Paul Gauguins Gemälde zweier tahitianischer Mädchen, „Wann werden sie heiraten?“, für 300 Millionen Dollar an das Museum von Katar verkauft.
Es gab eine riesige Ausweitung des Kunstmarkts in den letzten Jahren, da sich die globale Ungleichheit vertiefte und die Reihen der superreichen Plutokrat*innen wuchsen. Im Jahr 2014 wurden mehr als 1.000 Werke für jeweils mehr als 1 Million Dollar verkauft, verglichen mit 460 solcher Verkäufe im Jahr 2004. Der globale Kunstmarkt wird auf etwa 466 Milliarden Dollar geschätzt. „Ich glaube gerne“, sagt Hans Haacke, „dass Sammler, als meine Generation den Fuß auf den Boden setzte, Werke kauften, weil sie mit der Kunst in Verbindung gebracht werden wollten. Jetzt scheint es, dass eine große Anzahl von Sammlern sie als eine Investition betrachten. Das ist abstoßend“. (Nicholas Wroe, „Horseplay: What Hans Haacke’s Fourth Plinth Tells Us about Art and the City“ [Pferdespiel, Was Hans Haackes Vierter Sockel uns über Kunst und die City sagt], „Guardian“, 27. Februar)
Der Wirtschaftskommentator Nouriel Roubini argumentiert, dass „Kunst eine neue und eigenständige Anlageklasse ist“. Anders als Aktien, Anleihen oder Immobilien wirft Kunst keine Dividenden, Zinsen oder Kapitalrenten ab. Warum also investieren die Superreichen in diese Anlageklasse? Dafür gibt es verschiedene Motive. Abhängig von den wechselnden Moden und Trends auf dem Kunstmarkt können sie bei steigenden Preisen enorme Kapitalprofite erzielen. Die Superreichen haben bereits ein Übermaß an Wertpapieren und Immobilien, und Kunstwerke können ihre Portfolios vervollständigen.
Investitionen in Kunst können jedoch auch die Unsicherheit über die Weltwirtschaft widerspiegeln. Anleihen und Aktien können bei einem Konjunktureinbruch zusammenbrechen und sich unter Umständen nie wieder erholen. Aber selbst nach dem Platzen der derzeitigen Kunstblase ist es aufgrund ihrer Qualität und Seltenheit sehr unwahrscheinlich, dass Werke von Monet, Van Gogh, Picasso und anderen Meister*innen ihren gesamten Wert verlieren. Außerdem haben Kunstwerke noch andere Vorteile. Sie sind ein Wertaufbewahrungsmittel, das leicht vor Steuereintreiber*innen versteckt werden kann.
Ein weiteres Motiv für wohlhabende Sammler*innen ist das Prestige – die Aura von Reichtum und Macht. „Der wahre Wert liegt darin, ein Gemälde zu besitzen, das die Tate- oder Getty-Museen gerne öffentlich ausstellen würden, und sich selbst und andere im Privaten blenden zu können“. (John Gapper, „Picasso is not just a Valuable Asset“ [Picasso ist nicht nur ein wertvoller Vermögenswert], „Financial Times“, 13. Mai)
„Es ist eine Periode kolossalen Reichtums“, kommentiert Georgina Adam, Autorin der FT, „in der der Kauf von Kunst dem Erwerb von Luxusgütern gleichkommt. Wenn Roman Abramowitsch eine Milliarde Pfund für eine Yacht ausgeben kann, was macht es ihm, 100 Millionen Euro für ein Gemälde zu bezahlen?“ „„Oligarchen kaufen reiche Schmuckstücke für ihre Häuser, schwimmende und andere“, sagt ein privater Galeriedirektor. „Es ist viel Mode im Spiel“, sagt ein Händler, „und Leute kaufen für die Show. Ich bin mir nicht sicher, ob viele von ihnen aus Liebe zu dem Objekt kaufen. Für manche geht es nur darum, auf dem Markt zu spielen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts kauften Sammler ein Gemälde, lebten damit in ihrem eigenen Haus und überließen es einem Museum. Heute geht es um den Erwerb, nicht um das Sammeln“. („International New York Times“, 15. Juni)
Das Aufblühen des Kunstmarktes vergrößert den persönlichen Reichtum von Hedgefonds-Manager*innen, Oligarch*innen und anderen Teilen der Plutokratie. Aber was trägt er zum Wachstum der Realwirtschaft oder zum Nutzen der Gesellschaft im Allgemeinen bei? Tatsächlich ist das Wachstum des Kunstmarktes eng verbunden mit dem Wachstum der Ungleichheit und der Verarmung der Massen. Die obersten 0,1% besitzen bereits fast 20% des weltweiten Reichtums, und ihr Anteil wächst weiter.
Aber innerhalb der kapitalistischen Elite gibt es eine noch kleinere, ultrareiche Fraktion, die den Kunstmarkt dominiert. „Letztes Jahr gab es auf dem Planeten schätzungsweise 211.275 so genannte Ultra-High-Net-Worth-Individuen [Individuen mit ultrahohem Nettovermögen] mit einem Gesamtvermögen von 29,7 Billionen Dollar, von denen laut der European Fine Art Foundation etwa 26 Milliarden Dollar für Kunst ausgegeben wurden …“. (Scott Reyburn, Riding on the Back of High-Value Art [Auf dem Rücken der hochwertigen Kunst reiten], INYT, 6. April)
Im Jahr 2013, als der weltweite Kunstmarkt etwa 66 Milliarden Dollar wert war, wurden etwa 17 Milliarden Dollar für Dienstleistungen ausgegeben. Zwischen Verkäufer*innen und Käufer*innen gibt es viele Zwischenhändler*innen: Agent*innen, Berater*innen, Auktionator*innen, Händler*innen, die alle einen Anteil erhalten. In dem Maße, wie die „Branche“ wächst, gibt es immer mehr Skandale oder Gerüchte über Kriminalität. „Während die Kunst so aussieht, als ginge es nur um Schönheit“, sagt Roubini, ‚ist sie als Geschäft voll von zwielichtigen Dingen‘. (John Gapper, „Roubini Says Art Market Needs Regulation“ [Roubini sagt, der Kunstmarkt brauche Regulierung], FT, 22. Januar)
Roubini beklagt, dass der Kunstmarkt, obwohl er eigentlich eine „Anlageklasse“ ist, völlig unreguliert und sehr geheimnisvoll sei. Es gibt Behauptungen, dass Auktionen manipuliert worden seien und dass Händler*innen massive, versteckte Aufschläge kassiert hätten. Gemälde werden zur Steuervermeidung/-umgehung und zur Geldwäsche verwendet, was durch ein wachsendes Netz sicherer Lagereinrichtungen erleichtert wird. Der Kunstmarkt unterscheidet sich von der Welt der Museen, sagt Martin Roth, Direktor des Londoner Victoria and Albert Museum: „Es ist eine Tarngeschichte, die Kunst genannt wird, aber Geldwäsche ist. Letztendlich ist es nur ein Geschäft und eine globale Währung, die mit der Kunstwelt nicht wirklich verbunden ist.“ (FT, 22. Januar)
Obendrein haben Museen und Kunstgalerien, die die Kunst der Öffentlichkeit zur Verfügung stellen, das Nachsehen gegenüber privaten Sammler*innen. Die astronomischen Preise auf dem Kunstmarkt machen es den Museen immer schwerer, ihre Sammlungen zu ergänzen. Private Sammler*innen, die in der Vergangenheit ihre Kunstwerke an Galerien verliehen oder vererbten, verkaufen ihre Gemälde zunehmend an private Eigentümer*innen, die sie in Banktresoren oder Kunstbunkern aufbewahren.
Gleichzeitig werden die staatlichen Subventionen für Museen und Galerien gekürzt. Als Reaktion darauf verkaufen Museen in ganz Europa Gegenstände aus ihren Sammlungen oder erwägen deren Verkauf: „Was einst undenkbar schien, wird plötzlich salonfähig … Die Kunstschätze des Kontinents verlieren mehr und mehr ihren heiligen Status als dem Volk gehörendes Erbe … [Es gibt] Ängste, dass Meisterwerke aus der Öffentlichkeit verschwinden werden, um die Wohnzimmerwände eines saudischen Prinzen oder eines Hedgefonds-Milliardärs zu schmücken“. (Doreen Carvajal, „Museums Break a Taboo by Selling Art to Pay Bills“ [Museen brechen ein Tabu, indem sie Kunst verkaufen, um Rechnungen zu bezahlen], INYT, 6. April)
Die Kunst als „ein dem Volk gehörendes Erbe“ wird von den Superreichen angeeignet. Räuberischer Kauf von Kunst geht einher mit der Auszehrung der öffentlichen Museen und Galerien durch Kürzungspolitik. In der zukünftigen sozialistischen Gesellschaft wird die Kunst – und andere kulturelle Phänomene – durch öffentliche Galerien und andere Einrichtungen für alle zugänglich sein. Kunst wird „in erster Linie wegen ihrer Schönheit oder emotionalen Kraft geschätzt“ werden, nicht wegen ihres Preisschilds. In der Zwischenzeit sollte eine beträchtliche Abgabe auf Kunstverkäufe erhoben werden, um als ein Schritt in die richtige Richtung zusätzliche Mittel für Künstler*innen und Galerien bereitzustellen.
Lynn Walsh
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